Se maneja una perspectiva de sólo dos planos:

El fondo o segundo plano es mucho más amplio y abierto.

Los personajes en el primer plano son los que más destacan por sus distintas y fuertes tonalidades, además de que ocupan todo el centro del espacio. Aquí  se encuentra menos espacio entre los elementos que en el otro plano porque las dos mujeres están muy juntas.

La obra se centra en el plano inferior, ya que sobre él están las figuras principales. Los demás planos pasan algo desapercibidos.

Lo interesante del color es que la obra combina dos tipos de temperaturas. Con un  fondo frío en escalas de azul, gris y blanco jugando con un frente más cálido con un poco de rojo, naranja, verde y azul.

Las dos mujeres tienen una piel con un color bastante saturado, en especial la de la derecha.

Se puede ver un gran balance en ambos lados de la pintura, ya que las dos mujeres están, si no idénticas, iguales por lo que es simétrico. Su posición, cómo se acomoda su cuerpo, la cabeza, e incluso el fondo.

Todo está colocado de manera muy específica para que se centre la atención del espectador en la unión, las tijeras, los brazos, el retrato, y las dos mujeres están levemente inclinadas, apuntando hacia las manos, las cuales son el centro de la obra.

La armonía en este caso está muy bien ya que se complementan perfectamente los elementos en la pintura. Se pierde, sin embargo, un poco por los colores brillantes de la mujer de la derecha a comparación de la de la izquierda.

En esta obra la variedad está presente en pequeños detalles. A simple vista puede que no se vea tan variado, porque “básicamente” se puede decir que repiten los mismos objetos. Si vemos cada uno a detalle podemos ver la variedad. Brindan una imagen muy diversa. Diferentes peinados, ropa, colores, acciones y elementos.

Se da movimiento o se da la sensación de acción por el fondo de la pintura, con las nubes que lo cubren completamente. También, la vena da una sensación de fluidez (de sangre).

Uno de los elementos que le otorga ritmo a la obra, son laUna vez que hemos encontrado que la obra tiene distintos planos, distintos personajes, colores y hasta distintos momentos, nos damos cuenta de que todo en conjunto permite crear un ambiente y una atmósfera de ritmo, es decir, que todo lleva una secuencia lógica y eso es lo principal que hace que una obra pueda ser considera rítmica.

Todo está organizado de una manera uniforme, los elementos y objetos del cuadro. Los principios del arte están presentes y bastantes claros.

En esta obra de Frida Kahlo sabemos que se trata de un doble autorretrato y que ella está tratando de representar dos versiones de ella misma. La versión de Frida “La Mexicana” y Frida “La Europea” que representa cuáles eran sus sentimientos en cada parte en la que ella se encontraba. La Europea tiene en su mano derecha unas tijeras, su vestido blanco está manchado de sangre, su corazón no está completo; mientras que la Frida mexicana tiene en su mano derecha un mini retrato de Diego Rivera, y su corazón está completo.

Esta obra nos hace sentir pena por que la Frida Europea se muestra triste. Mientras que la Frida Mexicana está llena de vida y colores “vivos y cálidos”, la otra Frida sufre. Sentimos compasión por ella porque sabemos que en un momento de su vida fue la Frida feliz, pero hubieron mucho momentos en su vida que hicieron que esa felicidad se fuera apagando; tales como perder a un hijo, sufrir los accidentes que sufrió y tener que pasar por  todo esto sola, debido a las infidelidades de su esposo Diego. Por eso y mucho más es que podemos entender la tristeza que ella reflejaba en la mayoría de sus obras.

 

Categorías Estéticas

• En esta obra podemos encontrar muchas características de belleza en el sentido en que la obra está expresando emociones; hay un buen conjunto de colores y la relación que existe entre los elementos de la obra y los colores está completamente interrelacionada.

 

• Una de las razones por las que esta obra puede ser considerada bella es debido al enfoque que le da a cada uno de los elementos, de esta forma, dándole su propio espacio de reflexión al observador para disfrutar de la armonía que podemos apreciar.  

 

• Podemos ver la representación de la época en la ropa que ambas Fridas, tanto la europea como la mexicana, que están usando. Sus proporciones son equilibradas y se puede decir que están bien balanceadas a comparación de los detalles. Lo sublime se encuentra en el sentido de admiracion que causa la obra al espectador, los detalles, la fuerza de las emociones y sobretodo ese sentido tan único de pintar de Frida Kahlo.

 

El tipo de arte que se representa en esta obra es en su mayoría emotivo ya que nos transmite muchas emociones; en su mayoría pena y tristeza de ver como Frida se sentía, el pensar en ese tipo de sentimientos y emociones tan fuertes que ella expresaba, inmediatamente sientes empatía y te transmite a reflexionar sobre su vida y sobre cómo cada uno de los eventos en su vida la hacían sentir.

 

Pero al mismo tiempo es una obra simbolista; por ejemplo, el cambiar las vestimentas de las dos Fridas y en cada una ponerle distintos objetos que representaban lo que ella tenía en cada uno de esos dos momentos en su vida que tanto la marcaron.

 

Figuras Retóricas

Se representa una comparación o símil porque se está  comparando dos elementos que son las dos mujeres que son la misma persona pero
una está triste y está manchada de sangre porque tiene el corazón lastimado. Ella porta un vestido blanco. La otra está  llena de vida, tranquila, serena, con un atuendo más colorido y un corazón sano.

 

Contiene también la hipérbole al observar el corazón roto con mucha sangre derramando por todo su vestido blanco que lo hace enfatizar más porque esto quiere decir que alguien la lastimó.

La antítesis también se muestra en la obra porque las dos mujeres son opuestas en muchos sentidos.